vanatik05 в ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 9. РЕАЛИЗМ.«Я твёрдо придерживаюсь взглядов, что живопись —
предельно конкретное искусство и может заключаться
лишь в изображении реальных, данных нам вещей…
Это совершенно физический язык».
Гюстав Курбе.
Так охарактеризовал бывший «романтик» свое кредо, перейдя полностью на сторону реализма и став его теоретиком и апологетом. Как в творчестве Курбе, (а я упоминала его в прошлом посте как представителя романтизма) так и вообще в искусстве в середине XIX века в недрах романтизма начинает рождаться и противостоять ему РЕАЛИЗМ. Его основными особенностями являются отражение социальных проблем общества, критическое отношение к событиям, фактам, людям, подробное воспроизведение повседневной жизни, приземленность и нарочитая правдивость, наглядно проявляющаяся и в портрете. Курбе и его последователи считали конечной целью искусства передачу голой действительности и жизненной прозы.
Определение реализма впервые было дано французским писателем и литературным критиком Шанфлери в изданном им в 1857 году сборнике статей под названием «Реализм».
Я не берусь давать характеристику этому направлению в искусстве, но считаю его шагом назад, к классицизму, с той разницей, что реализм отражал современность, сиюминутность – все то, что уже с успехом начинала воспроизводить фотография. Вспомним волнующие портреты Курбе периода романтизма, приведенные мною в прошлом посте, и сравним их с более поздними:
Я постараюсь дать краткий обзор реалистического направления в портретной живописи в середине и второй половине XIX века и его постепенного развития и приближения к самому близкому мне направлению – импрессионизму.
Еще до Курбе в реалистической манере работали художники "барбизонской школы", в том числе французский художник Жан Франсуа Милле (1814-1875), родившийся в деревне Грюши, в Нормандии, в семье органиста местной церкви и рано проявивший свои способности к рисованию.
Много работая на ферме, мальчик успевал и учиться, много читал, постоянно рисовал, а в 1833 году отправился в Шербур, там изучал основы живописи и пропадал в местном музее, знакомясь с произведениями голландских и испанских живописцев XVII-XVIII веков. В 1837 году Милле поступил в престижную парижскую Школу изящных искусств, но через 2 года вернулся в Шербур, где пытался зарабатывать на жизнь написанием портретов, но это не приносило ему ни денег, ни славы.
Женившись и переехав в Париж, Милле забросил портретную живопись, перешел к небольшим идиллическим сценкам, которые пользовались большим спросом, давали ему возможность участвовать с 1840 года в Парижском Салоне, даже получить несколько благоприятных отзывов и правительственный заказ. Но слава пришла к нему после того, как в 1849 году художник поселился в Барбизоне, где обосновалась большая колония художников, создавших знаменитую «барбизонскую школу». Он прожил там до конца своих дней, тема крестьянской жизни и природы стала главной для Милле,
однако и портретной живописи он не оставлял, теперь главными героями его картин и портретов стали крестьяне, их дети, их будни и труд. Умер художник в возрасте 60 лет и похоронен в Барбизоне рядом со своим другом и единомышленником пейзажистом Теодором Руссо.
Своеобразный, острый и беспощадный талант другого французского художника, Оноре Домье (1808-1879), родившегося в Марселе в семье стекольщика, принес ему и славу, и неприятности.
Он с детства хорошо рисовал, а в юности занимаясь литографией, зарабатывал на жизнь изготовлением иллюстраций к рекламным изданиям и увлекся карикатурой на известных политических и общественных деятелей, за одну из которых (на короля) даже отсидел полгода в тюрьме. В карикатурном жанре он был непревзойденным мастером, сотрудничал в сатирических журналах, создал не менее четырёх тысяч литографий и столько же рисунков.
Бодлер сказал о нем: «Чтобы должным образом оценить Домье, нужно рассматривать его и с точки зрения мастерства, и с точки зрения содержания. Домье-художника отличает прежде всего уверенность. Его рисунок — это рисунок крупного мастера, он щедр и свободен…»
«Домье — больной и почти слепой нищий старик — принял участие в работе коммуны, занимался культурной политикой, надеялся… Коммуну предали и расстреляли — и он это нарисовал… Художник никогда не боялся рисовать — он рисовал не красивое, а прекрасное. Прекрасно то, что правдиво» (Максим Кантор. «Другой»).
Наиболее близок мне из художников-реалистов этого времени Жан-Батист-Камиль Коро (1796-1875),
Родившийся в семье владельца ателье мод и текстильной лавки при нем, в детстве и юности он работал у отца, немного учился живописи у художников-академистов, но основные знания и навыки получил в результате наблюдения за природой, многочисленных поездок по Европе и изучения творчества великих художников прошлого. Он был мастером цветовой гаммы, строгого светлого колорита, умело применял систему валёров - различных по светосиле "пятен" одного цвета, включающих в себя до двадцати градаций одного и того же тона. На портретах чаще всего изображены девушки, грустные и задумчивые, позой и одеждой иногда напоминающие женщин Рафаэля, он часто помещал их, будучи прекрасным пейзажистом, в соответствующий настроению пейзаж.
После него осталось огромное количество работ – около 3 тысяч картин и десятки офортов. Известны случаи, когда он видел мастерски сделанную подделку своей картины и подписывал ее из уважения к мастерству художника, что в будущем, разумеется, снижало стоимость некоторых спорных произведений. Творчество Коро оказало большое влияние на художников Франции и особенно, конечно, импрессионистов. Посмотрите на одну из лучших его работ и судите сами.
Можно сказать, что его творчество было переходным мостиком в развитии французской живописи от «барбизонцев» (о которых говорили выше) к импрессионистам, с некоторыми из которых он был знаком. Ренуар сказал о его пейзажах: «Больше всего мне нравится в Коро то, как он одним сучком дерева умеет передать вам всё».
Одним из открытий для меня при подготовке этого поста был Доре-портретист. Многие, и я в том числе, хорошо знают его как графика, иллюстратора книг и Священных текстов, но есть у него и графические портреты, и портретная живопись. Гюстав Доре (1832-1833)
родился в Эльзасе, художественное мастерство осваивал самостоятельно, после переезда в Париж зарабатывал в основном на афишах и литографических иллюстрациях в журналах. Во многих его реалистичных произведениях ощущаются не только позднеромантические тенденции,
но еще и будущие импрессионистские элементы - такие, как свет и солнечные блики.
В более поздние годы своего творчества этот разносторонний гений занимался еще и скульптурой.
Пожалуй, наиболее полно соответствовал канонам реализма еще один не очень знаменитый в наше время, но пользовавшийся при жизни большой популярностью, французский художник Жан-Луи-Эрнест Месонье (1815-11891).
Он родился в бедной семье в Лионе, рано проявил талант к рисованию, уехал в Париж и самостоятельно изучал мастерство живописи в залах Лувра, копируя великих мастеров прошлого, особенно «голландцев». Он достигал совершенства в изображении людей и животных, интимных подробностях быта старой Франции, обладал «сочной» и одновременно тонкой кистью, высокой техникой рисунка. Я думаю многие будут восхищены техническим исполнением, но художник не стремился к передаче душевных стремлений и сильных эмоций, что был присуще тем художникам, которые «переболели» в своем раннем периоде романтизмом.
Месонье был хорошо известен в свое время, пользовался почетом и уважением, имел множество наград и был президентом Национального общества изящных искусств.
Еще один французский художник, не принадлежа физически к «барбизонцам», тем не менее мог бы быть их сподвижником, посвятив себя в основном идеализированному изображению крестьянской жизни. Это Жюль Адольф Эме Луи Бретон (1827-1906).
Он родился в Курьере (департамент Па-де-Кале), рано потерял мать и воспитывался отцом и родственниками матери в уважении к крестьянскому труду, в любви к природе и семейным традициям. Юный Жюль рано начал рисовать и учился живописи в Бельгии, затем в Антверпене, совершенствовал свое мастерство, копируя работы фламандских мастеров.
Он идеализировал крестьянскую жизнь, «пейзане и пейзанки» на его полотнах безмятежны, красивы и ухожены, но в позднем его творчестве можно заметить уже импрессионистские нотки в изображении пейзажа и в женских
образах.
Творчество Бретона восхищало Ван Гога, писавшего много на тему крестьянского труда, он очень хотел с ним познакомиться и как-то раз отправился к нему, прошел пешком 200 км., но так и не решился зайти в мастерскую, так и не увидел своего кумира и его работы из-за своей стеснительности.
И еще один французский художник, Жюль Бастьен-Лепаж (1848-1884),
родился в Данвиллере в Лотарингии. Мальчик начинал учиться рисованию, копируя картины великих художников с репродукций, которые для него покупали родители, заметившие его тягу к живописи. Дальнейшее обучение продолжил в Париже, в Школе изящных искусств.
В основном художник писал сцены из деревенской жизни, слегка идеализируя и приукрашивая ее, что не мешало ему не только мастерски отражать настроение модели, но и включать в картину пейзаж, используя пленэрную
живопись.
Он был знаком со многими художниками того времени в Англии, Италии, путешествовал по Алжиру, участвовал в немецко-французской войне 1870 года, получил там тяжелое ранение. К сожалению, его талант не успел полностью проявиться, он умер в 36 лет в Париже в своей мастерской от рака.
Отвлечемся на время от Франции, этой колыбели многих направлений в живописи, и обратимся к Германии, в которой в это время жил и творил выдающийся немецкий живописец и график Адольф фон Менцель (1815-1905). В начале своего творчества Менцель считался представителем исторического романтизма, а в портретном искусстве, которое нас интересует, проявил себя реалистом.
Родился Менцель в Бреслау (Вроцлав), когда ему было 15 лет, семья переехала в Берлин, там он начал помогать отцу в его литографической мастерской и изучать недолгое время живопись в берлинской Академии художеств. По большому счету он был самоучкой, много ездил по Германии и Австрии, бывал в Париже и Италии, занимался в основном графикой, создал огромную графическую летопись правления Фридриха II в виде иллюстраций к «Истории Фридриха Великого». В 1898 Менцель был удостоен дворянского звания.
Художник прожил долгую жизнь, оставил множество картин и офортов на историческую тему, жанровые сценки, портреты, будучи тонким мастером романтической светописи, вплотную подошел к импрессионизму.
В это же время на другом континенте, в США, появилось первое поколение американских художников, создавших собственную американскую художественную школу. Большинство художников тогда рассматривали европейское искусство в качестве идеала, испытывали влияние самых разнообразных художественных течений и следовали им. Но в Бостоне в одной из старейших семей Новой Англии родился Уинслоу Хомер (1836-1910), самый национальный художник Америки, оказавший влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Первые уроки живописи Хомер получил от матери, она была любительницей, рисовала акварелью и оказала большое влияние на сына, оставаясь самым близким ему человеком и советчиком до самой ее смерти. Отказавшись от какого-либо формального обучения, юный Хомер стал учеником одной из крупнейших гравировальных компаний и его иллюстрации, всего более 200, появлялись в журналах. Он мечтал стать художником, для этого в течение трех лет посещал занятия в Национальной академии дизайна и брал частные уроки.
Хомер хотел поехать в Европу для знакомства с европейским искусством, но этому помешала Гражданская война, во время которой он был военным художником и участвовал в военных операциях. У него не так много портретов, в основном он описывал городскую жизнь, много особенно удачных морских сцен, но в портретах он стремился отобразить мирную обыденную жизнь, далекую от социальных потрясений и противоречий.
Всю свою жизнь художник был вынужден помогать материально семье, после того, как отец, заразившись золотой лихорадкой, уехал на два года на Аляску, намыл там много золота, но за следующие два года просадил все свое состояние в игорных домах Лондона и Парижа. Многие искусствоведы считают Хомера крупнейшим американским художником XIX века, «живопись которого сформировала взгляд нации на себя».
Еще один американский художник Томас Икинс (1844-1916) считается одним из лучших художников своего времени, особенно в портрете.
Родился Икинс в Филадельфии, образование получил в Академии изящных искусств Пенсильвании. Затем художник обучался анатомии в медицинском колледже Джефферсона, где кроме медицины изучал анатомию человеческого тела, правдивое изображение которого интересовало его всю жизнь. В свое время он даже имел неприятности и был уволен из Академии, в которой преподавал, за то, что в тогдашней пуританской Америке юноши и девушки вместе не только рисовали обнаженную натуру, но и исполняли иногда роль натурщиков. Икинс побывал в Париже, где брал уроки у Жерома, ездил по Испании, изучал творчество Веласкеса и Риберы.
Он увлекался фотографией и использовал этот новый вид искусства не только для запечатления семьи и друзей, но и для вдохновения, для изучения человеческого тела в движении, для придания своим картинам еще большей реалистичности. Не все были довольны своими портретами в его исполнении, так как он, будучи честным художником, считал необходимым отражать внутреннюю реальность человеческого характера. Некоторые сравнивают его портреты с работами Рембрандта в умении передать внутреннее содержание человека и в методе отражения света на лицах.
Можно сказать, что благодаря Икинсу портретная живопись в США ожила, его творчество способствовало появлению нового поколения художников таких, как Глаккенс и Слоан о них позже). Широкое признание и известность пришли к Икинсу поздно, только незадолго до смерти.
Вернемся в Европу, в Италию, и вспомним прекрасного итальянского живописца, одного из главных представителей движения маккьяйоли Сильвестро Лега (1826-1895). (О «маккьяйоли» - группе итальянских художников, сформировавшейся во Флоренции к началу 1860-х годов, и причисляемой некоторыми историками искусства к импрессионизму - я когда-то писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/10338.html).
Родился Лега в Модильяне в семье землевладельца, учился в Академии художеств Флоренции и частных студиях, в юности пытался работать в монументальной живописи, но по призванию был пейзажистом. Начинал художник как «романтик», но скоро стало понятно, что этот стиль не отражает его ощущений, ему хотелось больше лиричности, цветовых и световых эффектов, работы на пленэре. Посмотрите, как выглядели его работы в начале творческого пути.
В поздние годы своего творчества Лега стал терять зрение, но продолжал работать в Тоскане и окрестностях, тогда же обратился к портрету, запечатлевая своих друзей на пленэре, используя крупные цветовые пятна и мазки, игру светотени и солнечные блики.
К концу жизни художник почти полностью ослеп, но по-прежнему стремился передавать цветовое многообразие мира в гармонии ярких красок, приблизившись вплотную к творчеству следующего поколения художников, к импрессионизму.
И наконец, мы возвращаемся во Францию к творчеству великого художника, не признававшего себя импрессионистом, отказывавшегося участвовать в их выставках, считавшего себя реалистом, это – Эдуард Мане (1832-1883).
Родившись в Париже, в семье сотрудника министерства юстиции и дочери дипломата, юный Эдуард вынужден был по настоянию отца, который был категорически против желания сына стать художником, поступать в военно-морское училище, но провалился на экзаменах. Вместо училища, следуя зову духа свободы, Мане записывается в юнги на торговом судне и отправляется в Южную Америку. Вернувшись, он уговорил отца смириться с его выбором и пошел учиться в мастерскую Тома Кутюра, закончив у него полный шестилетний курс обучения, много времени проводит в Лувре, совершает турне по музеям Италии, Голландии, Германии и Австрии.
Получив хорошее наследство после смерти отца, молодой Мане решает жить и творить так, как считает нужным, но не встречает понимания у публики и критиков. После его знаменитого «Завтрака на траве», вызвавшего нападки критики и возмущение зрителей, (а его персональную выставку, организованную в рамках Всемирной парижской выставки 1867 года, даже освистали) он пишет картину, в которой объединяет три жанра: портрет (сына Леона), натюрморт и жанровую сцену.
Начавшаяся в 1870 году франко-прусская война заставила на время оставить эксперименты - Мане участвует в военных действиях в качестве лейтенанта артиллерии. После войны он вновь возвращается к живописи, работает на пленэре в Аржантее вместе с Ренуаром и Клодом Моне, пишет много портретов, расширяя возможности этого жанра и превращая его в исследование внутреннего мира своих современников.
Творчество Эдуарда Мане как бы завершает реалистический этап во французском искусстве 19 века и в то же время значительно его обновляет, определяет направление поисков, характерных для изобразительного искусства последующего исторического периода не только Франции, но и всей Европы, и даже Америки. Вот об этом мы и поговорим в следующей главе, начав опять с Эдуарда Мане, потому что его творчеством заканчивается период главенства традиционного официального искусства и начинается новый период с иными задачами и другим художественным языком, многообразием стилей и свободным полетом фантазии.
Заканчивая эту тему, вынуждена отметить, что роль реализма в развитии искусства тем не менее важна - он раздвинул рамки тем, действительность вошла в произведения художников со всеми своими социальными контрастами, трагическими диссонансами, даже уродливыми проявлениями. Из него вышли позже новые направления живописи, он сам развился во множество подвидов, таких, как социалистический, социальный, магический, гиперреализм и другие, о которых мы поговорим позже.
Как всегда, предлагаю вам посмотреть видеоклип по теме (120 репродукций) в музыкальном сопровождении из произведений Ф.Листа - https://www.youtube.com/watch?v=6ihDdjrXsbY
Ссылки: 1. https://www.slideshare.net/ozlmgouru/xix-73088188
2. https://www.wikiart.org/ru
3. http://allpainters.ru/
4. http://www.artcontext.info/
5. http://smallbay.ru/grafica.html
предельно конкретное искусство и может заключаться
лишь в изображении реальных, данных нам вещей…
Это совершенно физический язык».
Гюстав Курбе.
Так охарактеризовал бывший «романтик» свое кредо, перейдя полностью на сторону реализма и став его теоретиком и апологетом. Как в творчестве Курбе, (а я упоминала его в прошлом посте как представителя романтизма) так и вообще в искусстве в середине XIX века в недрах романтизма начинает рождаться и противостоять ему РЕАЛИЗМ. Его основными особенностями являются отражение социальных проблем общества, критическое отношение к событиям, фактам, людям, подробное воспроизведение повседневной жизни, приземленность и нарочитая правдивость, наглядно проявляющаяся и в портрете. Курбе и его последователи считали конечной целью искусства передачу голой действительности и жизненной прозы.
Определение реализма впервые было дано французским писателем и литературным критиком Шанфлери в изданном им в 1857 году сборнике статей под названием «Реализм».
Я не берусь давать характеристику этому направлению в искусстве, но считаю его шагом назад, к классицизму, с той разницей, что реализм отражал современность, сиюминутность – все то, что уже с успехом начинала воспроизводить фотография. Вспомним волнующие портреты Курбе периода романтизма, приведенные мною в прошлом посте, и сравним их с более поздними:
Я постараюсь дать краткий обзор реалистического направления в портретной живописи в середине и второй половине XIX века и его постепенного развития и приближения к самому близкому мне направлению – импрессионизму.
Еще до Курбе в реалистической манере работали художники "барбизонской школы", в том числе французский художник Жан Франсуа Милле (1814-1875), родившийся в деревне Грюши, в Нормандии, в семье органиста местной церкви и рано проявивший свои способности к рисованию.
Много работая на ферме, мальчик успевал и учиться, много читал, постоянно рисовал, а в 1833 году отправился в Шербур, там изучал основы живописи и пропадал в местном музее, знакомясь с произведениями голландских и испанских живописцев XVII-XVIII веков. В 1837 году Милле поступил в престижную парижскую Школу изящных искусств, но через 2 года вернулся в Шербур, где пытался зарабатывать на жизнь написанием портретов, но это не приносило ему ни денег, ни славы.
Женившись и переехав в Париж, Милле забросил портретную живопись, перешел к небольшим идиллическим сценкам, которые пользовались большим спросом, давали ему возможность участвовать с 1840 года в Парижском Салоне, даже получить несколько благоприятных отзывов и правительственный заказ. Но слава пришла к нему после того, как в 1849 году художник поселился в Барбизоне, где обосновалась большая колония художников, создавших знаменитую «барбизонскую школу». Он прожил там до конца своих дней, тема крестьянской жизни и природы стала главной для Милле,
однако и портретной живописи он не оставлял, теперь главными героями его картин и портретов стали крестьяне, их дети, их будни и труд. Умер художник в возрасте 60 лет и похоронен в Барбизоне рядом со своим другом и единомышленником пейзажистом Теодором Руссо.
Своеобразный, острый и беспощадный талант другого французского художника, Оноре Домье (1808-1879), родившегося в Марселе в семье стекольщика, принес ему и славу, и неприятности.
Он с детства хорошо рисовал, а в юности занимаясь литографией, зарабатывал на жизнь изготовлением иллюстраций к рекламным изданиям и увлекся карикатурой на известных политических и общественных деятелей, за одну из которых (на короля) даже отсидел полгода в тюрьме. В карикатурном жанре он был непревзойденным мастером, сотрудничал в сатирических журналах, создал не менее четырёх тысяч литографий и столько же рисунков.
Бодлер сказал о нем: «Чтобы должным образом оценить Домье, нужно рассматривать его и с точки зрения мастерства, и с точки зрения содержания. Домье-художника отличает прежде всего уверенность. Его рисунок — это рисунок крупного мастера, он щедр и свободен…»
«Домье — больной и почти слепой нищий старик — принял участие в работе коммуны, занимался культурной политикой, надеялся… Коммуну предали и расстреляли — и он это нарисовал… Художник никогда не боялся рисовать — он рисовал не красивое, а прекрасное. Прекрасно то, что правдиво» (Максим Кантор. «Другой»).
Наиболее близок мне из художников-реалистов этого времени Жан-Батист-Камиль Коро (1796-1875),
Родившийся в семье владельца ателье мод и текстильной лавки при нем, в детстве и юности он работал у отца, немного учился живописи у художников-академистов, но основные знания и навыки получил в результате наблюдения за природой, многочисленных поездок по Европе и изучения творчества великих художников прошлого. Он был мастером цветовой гаммы, строгого светлого колорита, умело применял систему валёров - различных по светосиле "пятен" одного цвета, включающих в себя до двадцати градаций одного и того же тона. На портретах чаще всего изображены девушки, грустные и задумчивые, позой и одеждой иногда напоминающие женщин Рафаэля, он часто помещал их, будучи прекрасным пейзажистом, в соответствующий настроению пейзаж.
После него осталось огромное количество работ – около 3 тысяч картин и десятки офортов. Известны случаи, когда он видел мастерски сделанную подделку своей картины и подписывал ее из уважения к мастерству художника, что в будущем, разумеется, снижало стоимость некоторых спорных произведений. Творчество Коро оказало большое влияние на художников Франции и особенно, конечно, импрессионистов. Посмотрите на одну из лучших его работ и судите сами.
Можно сказать, что его творчество было переходным мостиком в развитии французской живописи от «барбизонцев» (о которых говорили выше) к импрессионистам, с некоторыми из которых он был знаком. Ренуар сказал о его пейзажах: «Больше всего мне нравится в Коро то, как он одним сучком дерева умеет передать вам всё».
Одним из открытий для меня при подготовке этого поста был Доре-портретист. Многие, и я в том числе, хорошо знают его как графика, иллюстратора книг и Священных текстов, но есть у него и графические портреты, и портретная живопись. Гюстав Доре (1832-1833)
родился в Эльзасе, художественное мастерство осваивал самостоятельно, после переезда в Париж зарабатывал в основном на афишах и литографических иллюстрациях в журналах. Во многих его реалистичных произведениях ощущаются не только позднеромантические тенденции,
но еще и будущие импрессионистские элементы - такие, как свет и солнечные блики.
В более поздние годы своего творчества этот разносторонний гений занимался еще и скульптурой.
Пожалуй, наиболее полно соответствовал канонам реализма еще один не очень знаменитый в наше время, но пользовавшийся при жизни большой популярностью, французский художник Жан-Луи-Эрнест Месонье (1815-11891).
Он родился в бедной семье в Лионе, рано проявил талант к рисованию, уехал в Париж и самостоятельно изучал мастерство живописи в залах Лувра, копируя великих мастеров прошлого, особенно «голландцев». Он достигал совершенства в изображении людей и животных, интимных подробностях быта старой Франции, обладал «сочной» и одновременно тонкой кистью, высокой техникой рисунка. Я думаю многие будут восхищены техническим исполнением, но художник не стремился к передаче душевных стремлений и сильных эмоций, что был присуще тем художникам, которые «переболели» в своем раннем периоде романтизмом.
Месонье был хорошо известен в свое время, пользовался почетом и уважением, имел множество наград и был президентом Национального общества изящных искусств.
Еще один французский художник, не принадлежа физически к «барбизонцам», тем не менее мог бы быть их сподвижником, посвятив себя в основном идеализированному изображению крестьянской жизни. Это Жюль Адольф Эме Луи Бретон (1827-1906).
Он родился в Курьере (департамент Па-де-Кале), рано потерял мать и воспитывался отцом и родственниками матери в уважении к крестьянскому труду, в любви к природе и семейным традициям. Юный Жюль рано начал рисовать и учился живописи в Бельгии, затем в Антверпене, совершенствовал свое мастерство, копируя работы фламандских мастеров.
Он идеализировал крестьянскую жизнь, «пейзане и пейзанки» на его полотнах безмятежны, красивы и ухожены, но в позднем его творчестве можно заметить уже импрессионистские нотки в изображении пейзажа и в женских
образах.
Творчество Бретона восхищало Ван Гога, писавшего много на тему крестьянского труда, он очень хотел с ним познакомиться и как-то раз отправился к нему, прошел пешком 200 км., но так и не решился зайти в мастерскую, так и не увидел своего кумира и его работы из-за своей стеснительности.
И еще один французский художник, Жюль Бастьен-Лепаж (1848-1884),
родился в Данвиллере в Лотарингии. Мальчик начинал учиться рисованию, копируя картины великих художников с репродукций, которые для него покупали родители, заметившие его тягу к живописи. Дальнейшее обучение продолжил в Париже, в Школе изящных искусств.
В основном художник писал сцены из деревенской жизни, слегка идеализируя и приукрашивая ее, что не мешало ему не только мастерски отражать настроение модели, но и включать в картину пейзаж, используя пленэрную
живопись.
Он был знаком со многими художниками того времени в Англии, Италии, путешествовал по Алжиру, участвовал в немецко-французской войне 1870 года, получил там тяжелое ранение. К сожалению, его талант не успел полностью проявиться, он умер в 36 лет в Париже в своей мастерской от рака.
Отвлечемся на время от Франции, этой колыбели многих направлений в живописи, и обратимся к Германии, в которой в это время жил и творил выдающийся немецкий живописец и график Адольф фон Менцель (1815-1905). В начале своего творчества Менцель считался представителем исторического романтизма, а в портретном искусстве, которое нас интересует, проявил себя реалистом.
Родился Менцель в Бреслау (Вроцлав), когда ему было 15 лет, семья переехала в Берлин, там он начал помогать отцу в его литографической мастерской и изучать недолгое время живопись в берлинской Академии художеств. По большому счету он был самоучкой, много ездил по Германии и Австрии, бывал в Париже и Италии, занимался в основном графикой, создал огромную графическую летопись правления Фридриха II в виде иллюстраций к «Истории Фридриха Великого». В 1898 Менцель был удостоен дворянского звания.
Художник прожил долгую жизнь, оставил множество картин и офортов на историческую тему, жанровые сценки, портреты, будучи тонким мастером романтической светописи, вплотную подошел к импрессионизму.
В это же время на другом континенте, в США, появилось первое поколение американских художников, создавших собственную американскую художественную школу. Большинство художников тогда рассматривали европейское искусство в качестве идеала, испытывали влияние самых разнообразных художественных течений и следовали им. Но в Бостоне в одной из старейших семей Новой Англии родился Уинслоу Хомер (1836-1910), самый национальный художник Америки, оказавший влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Первые уроки живописи Хомер получил от матери, она была любительницей, рисовала акварелью и оказала большое влияние на сына, оставаясь самым близким ему человеком и советчиком до самой ее смерти. Отказавшись от какого-либо формального обучения, юный Хомер стал учеником одной из крупнейших гравировальных компаний и его иллюстрации, всего более 200, появлялись в журналах. Он мечтал стать художником, для этого в течение трех лет посещал занятия в Национальной академии дизайна и брал частные уроки.
Хомер хотел поехать в Европу для знакомства с европейским искусством, но этому помешала Гражданская война, во время которой он был военным художником и участвовал в военных операциях. У него не так много портретов, в основном он описывал городскую жизнь, много особенно удачных морских сцен, но в портретах он стремился отобразить мирную обыденную жизнь, далекую от социальных потрясений и противоречий.
Всю свою жизнь художник был вынужден помогать материально семье, после того, как отец, заразившись золотой лихорадкой, уехал на два года на Аляску, намыл там много золота, но за следующие два года просадил все свое состояние в игорных домах Лондона и Парижа. Многие искусствоведы считают Хомера крупнейшим американским художником XIX века, «живопись которого сформировала взгляд нации на себя».
Еще один американский художник Томас Икинс (1844-1916) считается одним из лучших художников своего времени, особенно в портрете.
Родился Икинс в Филадельфии, образование получил в Академии изящных искусств Пенсильвании. Затем художник обучался анатомии в медицинском колледже Джефферсона, где кроме медицины изучал анатомию человеческого тела, правдивое изображение которого интересовало его всю жизнь. В свое время он даже имел неприятности и был уволен из Академии, в которой преподавал, за то, что в тогдашней пуританской Америке юноши и девушки вместе не только рисовали обнаженную натуру, но и исполняли иногда роль натурщиков. Икинс побывал в Париже, где брал уроки у Жерома, ездил по Испании, изучал творчество Веласкеса и Риберы.
Он увлекался фотографией и использовал этот новый вид искусства не только для запечатления семьи и друзей, но и для вдохновения, для изучения человеческого тела в движении, для придания своим картинам еще большей реалистичности. Не все были довольны своими портретами в его исполнении, так как он, будучи честным художником, считал необходимым отражать внутреннюю реальность человеческого характера. Некоторые сравнивают его портреты с работами Рембрандта в умении передать внутреннее содержание человека и в методе отражения света на лицах.
Можно сказать, что благодаря Икинсу портретная живопись в США ожила, его творчество способствовало появлению нового поколения художников таких, как Глаккенс и Слоан о них позже). Широкое признание и известность пришли к Икинсу поздно, только незадолго до смерти.
Вернемся в Европу, в Италию, и вспомним прекрасного итальянского живописца, одного из главных представителей движения маккьяйоли Сильвестро Лега (1826-1895). (О «маккьяйоли» - группе итальянских художников, сформировавшейся во Флоренции к началу 1860-х годов, и причисляемой некоторыми историками искусства к импрессионизму - я когда-то писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/10338.html).
Родился Лега в Модильяне в семье землевладельца, учился в Академии художеств Флоренции и частных студиях, в юности пытался работать в монументальной живописи, но по призванию был пейзажистом. Начинал художник как «романтик», но скоро стало понятно, что этот стиль не отражает его ощущений, ему хотелось больше лиричности, цветовых и световых эффектов, работы на пленэре. Посмотрите, как выглядели его работы в начале творческого пути.
В поздние годы своего творчества Лега стал терять зрение, но продолжал работать в Тоскане и окрестностях, тогда же обратился к портрету, запечатлевая своих друзей на пленэре, используя крупные цветовые пятна и мазки, игру светотени и солнечные блики.
К концу жизни художник почти полностью ослеп, но по-прежнему стремился передавать цветовое многообразие мира в гармонии ярких красок, приблизившись вплотную к творчеству следующего поколения художников, к импрессионизму.
И наконец, мы возвращаемся во Францию к творчеству великого художника, не признававшего себя импрессионистом, отказывавшегося участвовать в их выставках, считавшего себя реалистом, это – Эдуард Мане (1832-1883).
Родившись в Париже, в семье сотрудника министерства юстиции и дочери дипломата, юный Эдуард вынужден был по настоянию отца, который был категорически против желания сына стать художником, поступать в военно-морское училище, но провалился на экзаменах. Вместо училища, следуя зову духа свободы, Мане записывается в юнги на торговом судне и отправляется в Южную Америку. Вернувшись, он уговорил отца смириться с его выбором и пошел учиться в мастерскую Тома Кутюра, закончив у него полный шестилетний курс обучения, много времени проводит в Лувре, совершает турне по музеям Италии, Голландии, Германии и Австрии.
Получив хорошее наследство после смерти отца, молодой Мане решает жить и творить так, как считает нужным, но не встречает понимания у публики и критиков. После его знаменитого «Завтрака на траве», вызвавшего нападки критики и возмущение зрителей, (а его персональную выставку, организованную в рамках Всемирной парижской выставки 1867 года, даже освистали) он пишет картину, в которой объединяет три жанра: портрет (сына Леона), натюрморт и жанровую сцену.
Начавшаяся в 1870 году франко-прусская война заставила на время оставить эксперименты - Мане участвует в военных действиях в качестве лейтенанта артиллерии. После войны он вновь возвращается к живописи, работает на пленэре в Аржантее вместе с Ренуаром и Клодом Моне, пишет много портретов, расширяя возможности этого жанра и превращая его в исследование внутреннего мира своих современников.
Творчество Эдуарда Мане как бы завершает реалистический этап во французском искусстве 19 века и в то же время значительно его обновляет, определяет направление поисков, характерных для изобразительного искусства последующего исторического периода не только Франции, но и всей Европы, и даже Америки. Вот об этом мы и поговорим в следующей главе, начав опять с Эдуарда Мане, потому что его творчеством заканчивается период главенства традиционного официального искусства и начинается новый период с иными задачами и другим художественным языком, многообразием стилей и свободным полетом фантазии.
Заканчивая эту тему, вынуждена отметить, что роль реализма в развитии искусства тем не менее важна - он раздвинул рамки тем, действительность вошла в произведения художников со всеми своими социальными контрастами, трагическими диссонансами, даже уродливыми проявлениями. Из него вышли позже новые направления живописи, он сам развился во множество подвидов, таких, как социалистический, социальный, магический, гиперреализм и другие, о которых мы поговорим позже.
Как всегда, предлагаю вам посмотреть видеоклип по теме (120 репродукций) в музыкальном сопровождении из произведений Ф.Листа - https://www.youtube.com/watch?v=6ihDdjrXsbY
Ссылки: 1. https://www.slideshare.net/ozlmgouru/xix-73088188
2. https://www.wikiart.org/ru
3. http://allpainters.ru/
4. http://www.artcontext.info/
5. http://smallbay.ru/grafica.html